UM LUGAR AO SOL (A Place in the Sun), 1951

O famoso romance de Theodore Dreiser teve o apropriado título original “Uma Tragédia Americana”. Foi adaptado para o cinema (pela segunda vez) como “Um Lugar ao Sol” como se o eixo da história fosse a luta do pobretão George Eastman (Montgomery Clift) para ascender profissional e socialmente. O filme revela-se um melodrama com tons noir narrando como o protagonista se empenha, menos para ser alguém na vida, mas sim para se livrar da incômoda situação de ter engravidado Alice (Shelley Winters) uma colega de fábrica. O meticuloso diretor George Stevens acerta ao desenvolver a relação dos dois imprudentes jovens mas deixa a desejar quanto à inconvincente e repentina paixão entre Eastman e a bela e rica Angela Vickers (Elizabeth Taylor). A tensão aumenta quando Alice vê sua vida semidestruída e força Eastman a se casar com ela. Porém seu lado ingênuo reaparece e ela aceita o inusitado passeio de barco num lago ermo, propício para um afogamento. Sem querer querendo Eastman vê Alice cair do barco e se afogar com a tragédia americana tomando forma com sua condenação à morte. Este cultuado drama mantém seu interesse acima de tudo pela estupenda atuação de Montgomery Clift e pela estonteante beleza de Elizabeth Taylor em seu primeiro papel sério. Shelley Winters retrata bem a moça aborrecida e infeliz, enquanto Raymond Burr dá uma aula de representação exagerada chegando a ser patético. 7/10

CANTANDO NA CHUVA (Singin' in the Rain), 1952

Projetos cinematográficos costumam ser elaboradíssimos e mesmo assim nem sempre dão certo. Já produções em que predomina o improviso tornam-se algumas vezes grandes filmes, como é o caso de “Cantando na Chuva”. Único musical a frequentar as listas dos melhores filmes de todos os tempos, apenas duas das principais canções são originais e mesmo a famosa “Singin’ in the Rain” já havia sido utilizada em muitos outras películas antes. Como o filme ficou curto a MGM decidiu inserir o segmento “Broadway Melody” (com Cyd Charisse) que nada tem a ver com a hilária trama quebrando o ritmo agradavelmente alucinante de “Cantando na Chuva”. O argumento remete aos difíceis dias da transição do cinema silencioso para o sonoro e não fosse um musical resultaria de qualquer forma numa deliciosa comédia. Mas há números musicais antológicos com Gene Kelly maravilhoso, Donald O’Connor acrobático e Debbie Reynolds acompanhando-os como pode. As aulas de dicção são irresistíveis e irresistível é Lina Lamont (Jean Hagen) como a estrela da voz estridente e curiosamente é Jean quem dubla Debbie Reynolds, que no filme dubla Lina Lamont. A MGM parece não ter notado então o talento de Rita Moreno, desperdiçada numa ponta, ela que brilharia anos depois no melhor de todos os musicais. Para ver e rever sempre, especialmente se houver alguma tristeza no ar. 9/10

MARTY (Marty), 1955

A Burt Lancaster o cinema deve muito. Quando Hollywood morria de medo da TV ele foi à televisão em busca de histórias para filmes. Foi o primeiro a fazer isso com a teleplay de Paddy Chayefsky sobre o açougueiro judeu que não arrumava namorada, interpretado na telinha por Rod Steiger. O próprio Chayefsky, atendendo sugestão de Lancaster, mudou a nacionalidade do gorducho Marty que virou italiano e Burt ainda escalou Ernest Borgnine (com quem trabalhara duas vezes antes) e Betsy Blair como a moça feiosa. Delbert Mann dirigiu a teleplay e também o drama que as interpretações de Ernest e Betsy tornam extraordinariamente pungente na simplicidade como é mostrado. O conflito familiar entre filhos que se casam e suas mães que se sentem abandonadas é igualmente tocante. A sequência com a família da moça reunida na sala assistindo ‘Ed Sullivan’ é primorosa. O filme custou menos de 200 mil dólares, se transformou num dos sucessos do ano e tornando comum a via TV-Hollywood. “Marty” arrebatou quatro prêmios Oscar, inclusive o de Melhor Ator para Borgnine que concorreu com Spencer Tracy, James Dean, Sinatra e James cagney. Ernest ainda ganhou diversos outros prêmios importantes, mas em seguida voltou à condição de o mais talentoso coadjuvante do cinema. 8/10

PSICOSE (Psycho), 1960

Entre os tantos aspectos inusitados deste thriller merece ser lembrado que Norman Bates é, aparentemente, uma pessoa comum. E é essa pessoa ‘comum’ que se revela voyeur, que se traveste, que assassina mãe, padrasto e uma série de outras vítimas. “Psicose” é um filme que se pretende sério, feito por um diretor que se divertia amedrontando os espectadores; no entanto é com este suspense que mais Alfred Hitchcock se deleitou mostrando, como raras vezes o cinema fez, as deformações possíveis na conduta de um ser humano. Se Norman Bates (Anthony Perkins) é o homem que somente a Psicanálise é capaz de decifrar, Marion Crane (Janet Leigh) é a antítese das heroínas comuns. Amante de um homem casado nas horas de folga, ladra que trai a confiança do patrão e a quem Hitchcock mata antes da metade do filme. Apenas por esses dois extraordinários personagens “Psicose” já mereceria ser assistido, mas há ainda a trama incomum, a trilha sonora excepcionalmente criativa de Bernard Herrmann e sequências antológicas que Hitch legou para a história do cinema. Anthony Perkins está perfeito como o angustiado assassino e Janet Leigh tem a melhor atuação de sua carreira. No elenco principal ainda os insípidos John Gavin e Vera Miles. “Psicose” é obra exponencial na vasta e rica filmografia de Hitchcock, verdadeiro Mestre da Sétima arte. 10/10

FEITIÇO DA LUA (Moonstruck), 1987

Há filmes que nos encantam desde suas primeiras imagens e esta comédia de Norman Jewison se inicia (e termina) ao som de Dean Martin cantando “That’s Amore”. Nada mais apropriado que a mistura que Dino faz com versos em Inglês mesclados com expressões italianas, combinação que também acontece em “Feitiço da Lua”, quando Hollywood mais se aproximou do espírito das melhores comédias produzidas em Cinecittà. Loretta Castorini (Cher) está noiva de Johnny Cammareri (Danny Aiello), mas se envolve com Ronny (Nicolas Cage), irmão de Johnny, desdobrando-se um imbróglio que somente não termina em tragédia porque falam mais alto os costumes arraigados naqueles ítalo-americanos. As situações criadas são divertidas porém nada que se compare com a forma tão engraçada quanto simpática, poética mesmo, com que o filme trata da etnia e as características próprias dos italianos. Fica-se à espera de uma resposta à pergunta: ‘Por que os homens perseguem as mulheres?’, que o filme deixa no ar, mas impossível não se apaixonar pelos personagens que se deixam enlevar pelo feitiço que a lua emana. Cher está linda e perfeita, mas é Olympia Dukakis quem fascina o espectador. Ambas levaram prêmios Oscar por suas interpretações e tão bem quanto elas está Vincent Gardenia. Esqueça que Nicolas Cage se esforça para atrapalhar tudo com sua canastrice. 8/10

ALMAS EM FÚRIA (The Furies), 1950

Este foi o primeiro filme da mais extraordinária série de westerns de um único diretor filmados no espaço de uma década. Anthony Mann, ainda visivelmente influenciado pelo estilo noir de seus trabalhos anteriores de baixo orçamento, narra em “Almas em Fúria”, um intenso drama familiar onde os personagens principais são todos movidos pela ganância e sede de poder. T.C Jeffords (Walter Huston), viúvo e poderoso barão de gado, proprietário de extensas terras no Novo México, encontra antagonismo à altura apenas em sua filha Vance (Barbara Stanwyck). A ambição e incontida crueldade de Vance a leva a desfigurar com uma tesoura o rosto da futura madrasta (Judith Anderson) e a se casar por conveniência para poder se apossar do império do pai. Sem os ingredientes típicos de um western, Anthony Mann realizou um drama que em tudo lembra uma tragédia grega, não faltando os insistentes perfis dos personagens diante do cenário sombrio do Oeste. As insinuações eróticas são surpreendentes neste filme em que Huston e Judith Anderson estão magníficos, ele em seu último trabalho no cinema. Gilbert Roland perfeito como o infeliz mexicano amante de Vance enquanto Wendell Corey desaponta a cada sequência. Mas quem pode enfrentar a estupenda Barbara em um de seus mais memoráveis desempenhos? Anthony Mann ensaiando suas obras-primas no gênero western. 8/10

ADÚLTERA (Le Diable au Corps), 1947

ADÚLTERA (Le Diable au Corps), 1947 – Raymond Radiguet escreveu este polêmico romance aos 20 anos, idade em que veio a falecer pouco depois do lançamento do livro. Na adaptação para o cinema o jovem de 15 anos que se apaixona por uma mulher dez anos mais velha passa a ter 17 anos e ela 29. Gérard Philipe e Micheline Presle estavam ambos com 25 anos quando interpretaram os personagens de Radiguet e Philipe com seu rosto atormentado aparenta ter mais idade que ela. Esse é apenas um dos problemas do filme de Claude Autant-Lara cuja história é contada em flash-backs narrando como Marthe (Micheline), noiva de um soldado que está no front na I Guerra Mundial, e o estudante François (Philipe) se apaixonam perdidamente. Como não podia deixar de ser o filme desagradou os moralistas da época. Autant-Lara que foi a vítima preferida da turma da Nouvelle Vague, que o acusava de excessivamente acadêmico, dirige “Adúltera” longe da linearidade e com um roteiro com vácuos comprometedores. O melhor da tragédia dos dois amantes é mostrar como uma mulher aparentemente tranquila e correta é capaz de se transformar. Micheline Presle (cuja placidez lembra Teresa Wright) está perfeita ocultando os mistérios que só as mulheres são capazes de reter. Ver Gérard Philipe atuar provoca alegria por seu brilho e tristeza por sua morte tão prematura. Refilmado em 1986 por Marco Bellocchio como “Diabo no Corpo”. 6/10 - 

O HOMEM QUE NÃO VENDEU SUA ALMA (A Man for All Seasons), 1966

Fred Zinnemann voltou ao seu tema preferido, o do homem que fica sozinho por suas convicções, ao filmar a tragédia de Sir Thomas More e com este drama histórico recebeu seu segundo prêmio Oscar como Melhor Diretor. O advogado Thomas More (Paul Scofield) torna-se Lord Chanceler do Rei Henrique VIII (Robert Shaw), sendo pressionado por este para se posicionar a favor de seu divórcio e próximo casamento com Ana Bolena (Vanessa Redgrave). More é contra o Rei haver renunciado à autoridade papal dando lugar à Reforma Inglesa. Através de um tribunal manipulado pelo novo Lord Chanceler Cromwell (Leo McKern), o despótico Henrique VIII condena Thomas More à morte. Zinnemann realizou um filme intensamente dramático no qual a grandeza moral de Thomas More contrasta com os desprezíveis homens que cercam o vil Rei. A lamentar que a personalidade do extraordinário Humanista que foi More não tenha sido apropriadamente mostrada, como seu talento de escritor e inquebrantável bom humor. No filme More raramente sorri num desempenho irrepreensível de Paul Scofield que lhe valeu o Oscar. Leo McKern magnífico como o intrigante Cromwel. Oscars ainda de Melhor Filme, Roteiro, Fotografia e Vestuário. 9/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

LAWRENCE DA ARÁBIA (Lawrence of Arabia), 1962

LAWRENCE DA ARÁBIA (Lawrence of Arabia), 1962 – Poucos filmes são tão admiráveis quanto este épico de David Lean narrando como o Major T.E. Lawrence (Peter O’Toole) se tornou um mito por sua participação nas batalhas entre árabes e turcos durante a I Guerra Mundial. Lean conseguiu imagens de rara beleza tendo o deserto como cenário principal e o sol que parece mais forte através das lentes do cinegrafista Freddie Young capturando a calidez do mais inóspito dos cenários. Envolve essas imagens a extraordinária e por vezes sublime música de Maurice Jarre. As sequências de batalha são empolgantes e a tomada de Damasco comove. Lawrence é mostrado como um homem ambicioso e que a cada vitória se torna mais arrogante e os mistérios que o torturam não são claramente desvendados, seu homossexualismo entre eles. O’Toole, por vezes excessivamente exibicionista, é o astro absoluto e Omar Sharif (esqueça a canastrice que Sharif normalmente exibia) brilha tanto quanto o protagonista. A habilidade de Omar montando um camelo é fantástica. No grande elenco despontam Anthony Quinn como um árabe engraçado e violento e Alex Guinness como o afetado Rei Faisal. A versão restaurada com 226 minutos (como Lean queria) só foi possível graças aos esforços de Steven Spielberg e Martin Scorsese, apaixonados pelo épico. 10/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo Marcelo Cardoso.

O MONSTRO DA LAGOA NEGRA (Creature from the Black Lagoon), 1954

Na década de 50 Hollywood produziu uma enxurrada de filmes de ficção-científica, muitos deles com monstros assustadores. Nenhuma dessas criaturas levadas à tela obteve tanto êxito quanto aquele habitante da Lagoa Negra que, assim como King-Kong, se deixa fascinar pela heroína da expedição que se embrenha pela selva amazônica. Esta bem cuidada produção ‘B’ da Universal, concebida em 3.ª Dimensão, agradou em cheio ao público e espertamente o estúdio filmou duas sequências, a segunda dirigida pelo mesmo Jack Arnold, responsável pela aventura inicial. Cientistas entram Rio Amazonas a dentro e se deparam com a criatura pré-histórica, espécie de homem-brânquia. Este ao perceber as acrobacias aquáticas de Kay (Julie Adams), linda cientista, sente-se atraído por ela chegando mesmo a sequestrá-la. O oceanógrafo David (Richard Carlson) é quem salva Kay e a compaixão despertada pela criatura anfíbia permite que esta retorne ao seu habitat (e assim possibilite as lucrativas continuações). Ainda hoje o filme de Arnold impressiona pelas belas sequências aquáticas e pela concisão e ritmos perfeitos. Julie Adams, que foi dublada no balé sob as águas, arranca suspiros também dos espectadores, ela que ficou eternamente marcada como a namorada do monstro. 8/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.