O VENTO SERÁ SUA HERANÇA (Inherit the Wind), 1960

Ninguém criava mais polêmica com seus filmes que o diretor-produtor Stanley Kramer. E foi ele quem levou ao cinema o famoso caso que foi chamado ‘The Monkey Trial’ (O Processo do Macaco), ocorrido em 1925. Nesse julgamento um professor foi condenado por dar aulas de Biologia orientando-se pelo livro “A Origem das Espécies”, de Charles Darwin, o que era proibido no Estado do Tennessee. Matthew Brady (Fredric March) advogado conhecido por defender ardorosamente o fundamentalismo religioso bíblico atua na promotoria e o professor foi defendido pelo também famoso advogado Henry Drummond (Spencer Tracy). Afinal, Deus criou o homem ou o homem criou Deus é o que o filme discute e tomando os preceitos e fábulas bíblicos, Drummond desmonta uma a uma as narrativas das sagradas escrituras. Fanáticos religiosos sequer foram ao cinema assistir “O Vento Será sua Herança”, que sofreu forte campanha contrária por parte da National Legion of Decency. Azar deles pois perderam um dos grandes embates cinematográficos, travado entre Tracy e March em um filme que mesmo longo e com dois terços passados dentro de tribunal é emocionante. Spencer Tracy está magistral e March um tanto caricato com uma maquiagem carregada. O advogado interpretado por Tracy não é outro senão Clarence Darrow e Gene Kelly um jornalista calcado em H.L. Mencken. 8/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

A MALVADA (All About Eve), 1950

Raros filmes são tão brilhantemente escritos, dirigidos e interpretados como “A Malvada”, de Joseph L. Mankiewicz, também autor do roteiro. Para quem sempre imaginou que o teatro diferisse do cinema quanto às intrigas de bastidores, artistas com egos absurdamente inflados e jornalistas capazes de criar e destruir carreiras, este drama é uma surpresa. Margo Channing (Bette Davis) adota como secretaria Eve Harrington (Anne Baxter) uma fã cuja insistência beira o fanatismo. A arrogante Margo jamais poderia imaginar que a tímida Eve é uma pessoa de ilimitada ousadia e maldade disposta a tomar seu lugar, seu namorado e tudo mais que puder mesmo que para isso faça uso até de chantagem. O peso dos anos e o declínio artístico são admiravelmente analisados e, houvesse um prêmio Oscar para melhor atuação de uma atriz em todos os tempos, certamente Bette Davis seria fortíssima candidata por sua interpretação como Margo Channing. Memorável ainda a composição de George Sanders como o sofisticado e poderoso crítico e também Thelma Ritter como a camareira que logo percebe as intenções de Eve. Num filme que beira a perfeição o final foi concebido sem inspiração e é gritante que Anne Baxter jamais teria talento para competir com Bette Davis. Margo Channing e Norma Desmond (Crepúsculo dos Deuses) são personagens que entraram para a história do cinema. 9/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

CUPIDO É MOLEQUE TEIMOSO (The Awful Truth), 1937

Consta que o elenco desta comédia nunca teve acesso ao roteiro e que apenas durante as filmagens o diretor Leo McCarey explicava aos atores o que queria. Ou seja, imperou o improviso e McCarey mostrou que sabia o que fazia pois esta é daquelas comédias malucas em que tudo deu certo. No filme o casal Cary Grant e Irene Dunne faz parte da chamada high society de Manhattan e não observa rigorosamente as normas da monogamia, o que os leva ao (quase) divórcio. A tempo descobrem que, mesmo com todas as diferenças, nasceram um para o outro e urdem sutilmente tramas para que seus pretendentes (Ralph Bellamy e Molly Lamont) desistam deles. Os limites da rígida censura da época são engenhosamente ultrapassados terminando com Irene Dunne seduzindo o quase ex-marido com olhares tão deliciosos quanto maliciosos. Como em toda ‘screwball comedy’, as falas se atropelam e o ritmo é alucinante num filme em que Oklahoma e cowboys em geral são as vítimas das zombarias dos novaiorquinos com “Home on the Range” na trilha sonora. A refinada Irene Dunne está inimaginavelmente debochada e Cary Grant não se esforça muito para repetir o tipo cínico e encantador que é sua especialidade. 9/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

LAURA (Laura), 1944

O que faz este filme de Otto Preminger possuir tantos apaixonados admiradores não são suas muitas qualidades de excelente melodrama noir, mas sim o excepcional conjunto de frases da mais fina e cortante ironia. Expressas especialmente por Clifton Webb, Vincent Price e Judith Anderson, são autênticas farpas eivadas do mais puro e penetrante sarcasmo. “Posso ter manchas no meu caráter, mas não nas minhas roupas” responde Shelby Carpenter (Price) num dos melhores exemplos de como caracterizar um personagem, o que o roteiro faz esplendidamente. Shelby é um playboy suspeito de um misterioso crime cuja vítima aparentemente seria Laura (Gene Tierney), por quem o escritor Waldo Lydecker (Webb) é fascinado. E mesmo o detetive McPherson (Dana Andrews) desenvolve uma paixão necrófila por Laura a quem só conhece de um quadro. “Laura” é brilhante não só na bem elaborada trama mas também na ambiguidade de seus personagens principais, na excepcional fotografia de Joseph LaShelle e na admirável trilha musical de David Raksin. Gene Tierney nunca esteve mais linda; Vincent Price curiosamente fora dos tipos que sempre viveu na tela; a ótima Judith Anderson aparece pouco num filme em que Clifton Webb é o maior destaque. Webb compensa a aparência excessivamente madura com a inacreditável soberba de seu psicótico personagem. 9/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

PRIMAVERA PARA HITLER (The Producers), 1967

Hitler fez muito bem ao cinema norte-americano pois para fugir do III Reich cineastas de grande talento foram acolhidos pelos Estados Unidos. E sempre que podia Hollywood falava mal do ditador germânico e seu regime, mas ninguém debochou do Fuhrer como o judeu novaiorquino Mel Brooks em sua estreia como diretor. Brooks não só dirigiu como também escreveu a hilariante história de um produtor que queria encenar a pior peça de todos os tempos, zombaria tão imaginativa e engraçada que recebeu o Oscar de Melhor Roteiro. Zero Mostel é o trapaceiro que engana idosas sequiosas de paixão delas tirando dinheiro para investir no projetado fracasso que renderá uma pequena fortuna a ele e a seu sócio, o contador Gene Wilder. Montam então o musical “Primavera para Hitler” que, de tão ruim, se transforma em sucesso cômico. Mostel e Wilder estão muito engraçados, mas é Kenneth Mars como o nazista que venera Hitler quem mais faz rir. E riso é o que não falta durante a encenação do musical em alguns dos momentos mais engraçados que o cinema já viu, claro que não para os alemães, como de hábito mostrados como idiotizados. Há uma referência a Ed Wood (o diretor que se traveste), o pior diretor de todos os tempos nesta comédia que Billy Wilder e Woody Allen bem gostariam de ter feito. 9/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

VIVER A VIDA (Vivre Sa Vie), 1962

Saudado como renovador da linguagem cinematográfica em sua estreia como diretor com “Acossado”, o ex-crítico Jean-Luc Godard decidiu em seu terceiro longa metragem demonstrar que não havia limites para sua criatividade. “Viver a Vida”, drama sobre a jovem Nana (Anna Karina) que se torna prostituta em Paris, foi a história que Godard dividiu em doze quadros e a única explicação para essa ‘novidade’ talvez seja mostrar ao mundo que as narrativas convencionais não funcionavam. Sob uma falsa simplicidade o ego de Godard dá asas a sua arrogância e pretensa genialidade testando até onde é capaz de irritar o espectador. Um diálogo de quase cinco minutos em que se vê somente as nucas dos personagens, o monocórdico tema bruscamente truncado de Michel Legrand, os cortes que destróem o ritmo do filme, cansativas literatices e filosofices formam a nova estética ditada pelo inventivo francês. Entre as muitas citações há “Joana D’Arc” de Dreyer na tela em justaposição à mártir moderna que é Nana e, pasmem, um cartaz de “Spartacus” em meio ao trottoir de uma rua parisiense. Kubrick rebaixado pelo gênio Godard. Os belíssimos olhos de Anna Karina são motivo único de satisfação neste filme com que o autor quer homenagear os clássicos ‘B’ e cuja cena final, a morte de Nana, é de um amadorismo chocante. 3/10

DANÇA COM LOBOS (Dances with Wolves), 1990

Realizar, em sua primeira experiência como diretor, um filme como “Dança com Lobos” foi um ato de inacreditável coragem e audácia de Kevin Costner. Durante os quatro meses de filmagem muitos ironicamente chamavam o filme de ‘Kevin’s Gate’ numa referência ao fracassado “Heaven’s Gate” de Michael Cimino. Isto porque tudo parecia indicar que um western contando a história de um oficial que passa a viver entre os índios ainda durante a Guerra de Secessão jamais atrairia o público. Porém nem a mais otimista das previsões poderia imaginar que “Dança com Lobos” receberia sete prêmios Oscar, inclusive os de Melhor Filme e Melhor Diretor e menos ainda que se tornasse enorme sucesso de bilheteria. Kostner é o tenente John Dunbar que se torna amigo de uma tribo Sioux e se casa com uma mulher branca que vive entre os índios desde pequena. Protetor dos Siouxes que se tornaram parte de sua vida, Dunbar é considerado traidor pelo Exército cujos soldados são mostrados como homens da pior espécie em contraste com os idealizados índios. Maravilhosas cinematografia e música (ambas premiadas com Oscars) ressaltam o encantamento que Kostner conseguiu num filme que, mesmo sem ser perfeito, envolve o espectador que não se dá conta das mais de três horas de duração. 9/10

HOUVE UMA VEZ UM VERÃO (Summer of '42), 1971

Este filme de Robert Mulligan é um daqueles dramas nostálgicos que marcou muita gente que, ao assisti-lo, se lembrou de seus dias de adolescente. Especialmente os rapazes que recordaram da primeira vez, tão complicada quanto enfrentar o dono da farmácia para comprar o primeiro preservativo. A trilha sonora de Michel Legrand premiada com o Oscar embala a fantasia de Hermie (Gary Grimes), jovem de 15 anos que enlouquece ao conhecer Dorothy (Jennifer O’Neill). Esta bela mulher recebe a notícia que seu marido foi morto em combate na II Grande Guerra e surpreendentemente, nessa mesma noite, acaba levando o rapazola para a cama. Quando do lançamento do livro e do filme ainda não havia o surto do politicamente correto e a personagem da recém viúva não foi acusada de pedofilia, como seria hoje. E é justamente essa incoerente reação da mulher que compromete a história que descreve com certa delicadeza e alguma graça os devaneios dos adolescentes. O filme termina com o narrador (Robert Mulligan) dizendo que naquele verão Hermie tornou-se homem num final pretensamente ‘aberto’ e poético. Jerry Houser ótimo como o jovem mais decidido, enquanto Gary Grimes está bem como o aturdido rapazinho sortudo. Jennifer O’Neill é tão linda que seria exigir demais que fosse também boa atriz. Dois anos depois deste filme George Lucas realizaria o melhor dos filmes sobre adolescentes. 6/10

AMEI UM BICHEIRO, 1953

A Atlântida reinava com as rentáveis chanchadas no início da década de 50 quando Jorge Ileli decidiu remar contra a correnteza e fazer cinema em outro gênero, o policial noir, então ainda em voga. Ileli roterizou a história de autoria de Jorge Dória e a dirigiu em parceria com Paulo Wanderley tendo como diretor assistente (José) Carlos Manga. O resultado da reunião desse grupo foi o muito bom “Amei um Bicheiro” que aborda o submundo do jogo do bicho, contravenção penal que mantinha a polícia ocupada num tempo em que não se falava em tráfico de drogas e armas. José Lewgoy é o banqueiro enganado por seu braço direito Cyl Farney que tem uma razão premente para trair o chefe: a necessidade de dinheiro para operar sua esposa Eliana. A queridinha da Atlântida não é a loura fatal da história, personagem que ficou para a francesa Josette Bertal. A dupla Ileli-Wanderley desenvolve a história magnificamente e a atmosfera noir criada pelo cinegrafista Amleto Daissé torna o Rio amedrontador com suas ruas mal iluminadas, cenário perfeito para este melodrama policial. Grande Otelo tem, segundo ele próprio considera, sua melhor atuação em um filme e a sequência de sua morte é marcante. Num ótimo elenco que conta ainda com Jece Valadão, Wilson Grey e Aurélio Teixeira em pequenos papeis até a dramaticamente limitada Eliana rende mais do que o esperado. 8/10 

UMA AVENTURA NA ÁFRICA (The African Queen), 1951

Filmado metade dele em penosas condições no Congo e em Uganda, com a quase totalidade da equipe vitimada por variados tipos de doenças e com a improvável reunião de Humphrey Bogart com Katharine Hepburn sob a direção de John Huston, “Uma Aventura na África” resultou num filme arrebatador. Katharine como uma missionária que se vê obrigada a fugir dos alemães navegando no ‘African Queen’, o velho barco de 30 pés e mais de 30 anos de vida, ao lado do rude e beberrão Bogart, dono do barco. Com a ação se passando no início da 1.a Grande Guerra, enfrentam todo tipo de perigo, desde corredeiras, jacarés, sanguessugas, mosquitos, chuvas torrenciais e os alemães, claro. Decidem afinal que o ‘African Queen’ deve colidir e torpedear um canhoneiro germânico. Em meio a isso tudo nasce um romance singelo que até parece que Kate e Bogey se amavam de verdade fora da tela. A empatia entre ambos é enternecedora, ela delicada e impetuosa e ele em grande atuação fora do estereótipo que marcou sua carreira. A direção de Huston é notável, ainda mais quando se sabe que muitas sequências foram filmadas em estúdio sem que o espectador se dê conta disso e também da história pouco plausível ainda que baseada em fato real. 9/10