VIVER A VIDA (Vivre Sa Vie), 1962

Saudado como renovador da linguagem cinematográfica em sua estreia como diretor com “Acossado”, o ex-crítico Jean-Luc Godard decidiu em seu terceiro longa metragem demonstrar que não havia limites para sua criatividade. “Viver a Vida”, drama sobre a jovem Nana (Anna Karina) que se torna prostituta em Paris, foi a história que Godard dividiu em doze quadros e a única explicação para essa ‘novidade’ talvez seja mostrar ao mundo que as narrativas convencionais não funcionavam. Sob uma falsa simplicidade o ego de Godard dá asas a sua arrogância e pretensa genialidade testando até onde é capaz de irritar o espectador. Um diálogo de quase cinco minutos em que se vê somente as nucas dos personagens, o monocórdico tema bruscamente truncado de Michel Legrand, os cortes que destróem o ritmo do filme, cansativas literatices e filosofices formam a nova estética ditada pelo inventivo francês. Entre as muitas citações há “Joana D’Arc” de Dreyer na tela em justaposição à mártir moderna que é Nana e, pasmem, um cartaz de “Spartacus” em meio ao trottoir de uma rua parisiense. Kubrick rebaixado pelo gênio Godard. Os belíssimos olhos de Anna Karina são motivo único de satisfação neste filme com que o autor quer homenagear os clássicos ‘B’ e cuja cena final, a morte de Nana, é de um amadorismo chocante. 3/10

DANÇA COM LOBOS (Dances with Wolves), 1990

Realizar, em sua primeira experiência como diretor, um filme como “Dança com Lobos” foi um ato de inacreditável coragem e audácia de Kevin Costner. Durante os quatro meses de filmagem muitos ironicamente chamavam o filme de ‘Kevin’s Gate’ numa referência ao fracassado “Heaven’s Gate” de Michael Cimino. Isto porque tudo parecia indicar que um western contando a história de um oficial que passa a viver entre os índios ainda durante a Guerra de Secessão jamais atrairia o público. Porém nem a mais otimista das previsões poderia imaginar que “Dança com Lobos” receberia sete prêmios Oscar, inclusive os de Melhor Filme e Melhor Diretor e menos ainda que se tornasse enorme sucesso de bilheteria. Kostner é o tenente John Dunbar que se torna amigo de uma tribo Sioux e se casa com uma mulher branca que vive entre os índios desde pequena. Protetor dos Siouxes que se tornaram parte de sua vida, Dunbar é considerado traidor pelo Exército cujos soldados são mostrados como homens da pior espécie em contraste com os idealizados índios. Maravilhosas cinematografia e música (ambas premiadas com Oscars) ressaltam o encantamento que Kostner conseguiu num filme que, mesmo sem ser perfeito, envolve o espectador que não se dá conta das mais de três horas de duração. 9/10

HOUVE UMA VEZ UM VERÃO (Summer of '42), 1971

Este filme de Robert Mulligan é um daqueles dramas nostálgicos que marcou muita gente que, ao assisti-lo, se lembrou de seus dias de adolescente. Especialmente os rapazes que recordaram da primeira vez, tão complicada quanto enfrentar o dono da farmácia para comprar o primeiro preservativo. A trilha sonora de Michel Legrand premiada com o Oscar embala a fantasia de Hermie (Gary Grimes), jovem de 15 anos que enlouquece ao conhecer Dorothy (Jennifer O’Neill). Esta bela mulher recebe a notícia que seu marido foi morto em combate na II Grande Guerra e surpreendentemente, nessa mesma noite, acaba levando o rapazola para a cama. Quando do lançamento do livro e do filme ainda não havia o surto do politicamente correto e a personagem da recém viúva não foi acusada de pedofilia, como seria hoje. E é justamente essa incoerente reação da mulher que compromete a história que descreve com certa delicadeza e alguma graça os devaneios dos adolescentes. O filme termina com o narrador (Robert Mulligan) dizendo que naquele verão Hermie tornou-se homem num final pretensamente ‘aberto’ e poético. Jerry Houser ótimo como o jovem mais decidido, enquanto Gary Grimes está bem como o aturdido rapazinho sortudo. Jennifer O’Neill é tão linda que seria exigir demais que fosse também boa atriz. Dois anos depois deste filme George Lucas realizaria o melhor dos filmes sobre adolescentes. 6/10

AMEI UM BICHEIRO, 1953

A Atlântida reinava com as rentáveis chanchadas no início da década de 50 quando Jorge Ileli decidiu remar contra a correnteza e fazer cinema em outro gênero, o policial noir, então ainda em voga. Ileli roterizou a história de autoria de Jorge Dória e a dirigiu em parceria com Paulo Wanderley tendo como diretor assistente (José) Carlos Manga. O resultado da reunião desse grupo foi o muito bom “Amei um Bicheiro” que aborda o submundo do jogo do bicho, contravenção penal que mantinha a polícia ocupada num tempo em que não se falava em tráfico de drogas e armas. José Lewgoy é o banqueiro enganado por seu braço direito Cyl Farney que tem uma razão premente para trair o chefe: a necessidade de dinheiro para operar sua esposa Eliana. A queridinha da Atlântida não é a loura fatal da história, personagem que ficou para a francesa Josette Bertal. A dupla Ileli-Wanderley desenvolve a história magnificamente e a atmosfera noir criada pelo cinegrafista Amleto Daissé torna o Rio amedrontador com suas ruas mal iluminadas, cenário perfeito para este melodrama policial. Grande Otelo tem, segundo ele próprio considera, sua melhor atuação em um filme e a sequência de sua morte é marcante. Num ótimo elenco que conta ainda com Jece Valadão, Wilson Grey e Aurélio Teixeira em pequenos papeis até a dramaticamente limitada Eliana rende mais do que o esperado. 8/10 

UMA AVENTURA NA ÁFRICA (The African Queen), 1951

Filmado metade dele em penosas condições no Congo e em Uganda, com a quase totalidade da equipe vitimada por variados tipos de doenças e com a improvável reunião de Humphrey Bogart com Katharine Hepburn sob a direção de John Huston, “Uma Aventura na África” resultou num filme arrebatador. Katharine como uma missionária que se vê obrigada a fugir dos alemães navegando no ‘African Queen’, o velho barco de 30 pés e mais de 30 anos de vida, ao lado do rude e beberrão Bogart, dono do barco. Com a ação se passando no início da 1.a Grande Guerra, enfrentam todo tipo de perigo, desde corredeiras, jacarés, sanguessugas, mosquitos, chuvas torrenciais e os alemães, claro. Decidem afinal que o ‘African Queen’ deve colidir e torpedear um canhoneiro germânico. Em meio a isso tudo nasce um romance singelo que até parece que Kate e Bogey se amavam de verdade fora da tela. A empatia entre ambos é enternecedora, ela delicada e impetuosa e ele em grande atuação fora do estereótipo que marcou sua carreira. A direção de Huston é notável, ainda mais quando se sabe que muitas sequências foram filmadas em estúdio sem que o espectador se dê conta disso e também da história pouco plausível ainda que baseada em fato real. 9/10

QUANDO É PRECISO SER HOMEM (Soldier Blue), 1970

A versão original deste western continha 135 minutos de duração, versão reduzida para 112 minutos tendo sido excluídas inúmeras sequências de extremada violência. Ainda assim o filme de Ralph Nelson é mais lembrado por ser um dos mais violentos faroestes revisionistas feitos sob os ecos da guerra do Vietnã, cujas atrocidades inspiraram o diretor segundo ele confessou. Iniciando com a dizimação por parte dos Cheyennes de um pelotão de 21 soldados o filme termina com um horripilante massacre de centenas de índios, a maior parte mulheres e crianças, citando a carnificina ocorrida em Sand Creek em 1864. Entre esses dois momentos de ação transcorre uma anêmica história de amor entre uma mulher branca que viveu entre os Cheyennes e um casto soldado.  “Quando É Preciso Ser Homem” é não só violento, mas tem também forte dose de erotismo com Candice Bergen semidespida demonstrando que sua beleza é inversamente proporcional a seu talento como atriz. Fraco também é Peter Strauss que interpreta o soldado que consegue por algum tempo resistir aos encantos de Candice. Donald Pleasence menos psicótico que em outros filmes e John Anderson é o ‘Custer’ da história. Ralph Nelson comprova que ser simpático aos índios, denunciar um genocídio e exacerbar nas cenas de selvageria não são suficientes para se fazer um bom filme. 5/10

INFERNO 17 (Stalag 17), 1953

Após assistir a peça na Broadway Billy Wilder pediu à Paramount que adquirisse os direitos da montagem de “Stalag 17” para o cinema. O estúdio queria Charlton Heston no papel principal mas Wilder não pretendia ninguém heroico para interpretar o cínico, pragmático e nada altruísta sargento prisioneiro. William Holden foi o nome imposto pelo diretor, a contragosto do estúdio. O país ainda estava aturdido com o Macarthismo e Wilder praticamente refez todo o texto teatral para demonstrar o quanto se injustiçou homens de bem em nome de um pseudo americanismo. “Inferno 17” fez enorme sucesso e deu um imerecido Oscar de Melhor Ator a Bill Holden, certamente compensação por seu trabalho em “Crepúsculo dos Deuses”. Ainda que não se alinhe entre os muitos excepcionais filmes de Wilder, “Inferno 17” é excelente e só não é melhor porque não conseguiu ele o equilíbrio certo entre drama e comédia, no que aliás era mestre. Os pretensos momentos engraçados são longos demais e Robert Strauss (Animal) e Harvey Lembeck (Shapiro) põem quase tudo a perder. Negativo também é mostrar os alemães como idiotizados e mesmo assim Sig Ruman é quem faz rir e Otto Preminger está impressionante como o cruel comandante do campo. A sequência da revelação do verdadeiro espião é primorosa e inesquecível. 8/10

SABES O QUE QUERO (The Girl Can't Help It), 1956

Quando o rock ‘n’ roll explodiu claro que Hollywood tentou se aproveitar da novidade. Quase sempre com filmes sem imaginação e em preto e branco até que a Fox colocou na tela, em Cinemascope e Technicolor alguns dos grandes pioneiros do rock (e outros nem tanto). Que festa ver a energia de Little Richard, a classe de Fats Domino, a suavidade da voz de Tony Williams com os Platters! A história deste musical não é nenhuma preciosidade, mais servindo, como fazia nosso cinema nos anos 50, para apresentar o vasto número de cantores e conjuntos de rock. A diferença é que a direção de Frank Tashlin dá o ritmo ideal e cria gags ótimas entre uma canção e outra. Mas mesmo que “Sabes o que Quero” não fosse uma agradável comédia ela seria imperdível pela presença notável de Julie London interpretando “Cry me a River”. Tom Ewell é o agente que levou Julie London ao sucesso e o gângster Edmond O’Brien quer que Tom repita a estratégia com sua namorada Jayne Mansfield. Mas a exuberante Jayne não sabe cantar e ainda se apaixona por Tom Ewell (afinal o que ele tem? Marilyn, Jayne...). Edmond O’Brien fazendo comédia é uma piada e Jayne Mansfield está perfeita na imitação da ‘dumb blonde’ (loura burra) que Marilyn Monroe eternizou. Filmado antes do escândalo ‘Payola’, o filme mostra a força das juke-boxes nos anos 50. 8/10

SUPREMA CONQUISTA (Twentieth Century), 1934

Após o magnífico “Scarface” e outros bons filmes, Howard Hawks era o mais promissor entre os diretores norte-americanos, mas foi com “Suprema Conquista”, realizado em 1934, que Hawks se tornou de fato um diretor notável. Não que este seu filme seja a obra-prima que Peter Bogdanovich afirma ser, mas sim porque com ele Howard Hawks inventou o gênero ‘screwball comedy’ ou comédia maluca que tanto sucesso viria a fazer nos anos seguintes. Caracterizando-se por um ritmo frenético e diálogos tão inteligentes quanto espirituosos este tipo de comédia só funciona bem com atores atuando próximos da perfeição, como foi o caso de John Barrymore e Carole Lombard. Ele como um produtor teatral possessivo, egocêntrico e literalmente teatral em seus gestos e discurso; ela como a atriz que alcança o sucesso (no cinema) após ser burilada por ele para os palcos. ‘Twentieth Century’ é o nome do famoso trem que ligava Nova York a Chicago em inacreditáveis 16 horas. Com grande parte da ação do filme se passando dentro do tem em movimento é ele uma metáfora para o ritmo vertiginoso dos diálogos de Ben Hecht e Charles MacArthur (Preston Sturges colaborou sem ser creditado) que exageram no uso de nomes mais ligados ao meio artístico. Já decadente Barrymore brilha intensamente e Carole Lombard deixa a impressão de uma perda irreparável para o cinema com sua morte aos 33 anos de idade. 8/10

SEMENTES DE VIOLÊNCIA (Blackboard Jungle), 1955

Mais lembrado pelo pioneirismo em utilizar um rock’n’roll (“Rock Around the Clock”) em sua trilha sonora, ainda que somente durante os créditos, este drama de Richard Brooks é também o primeiro filme a abordar diretamente os conflitos internos de uma escola norte-americana. A ‘North Manual High School’, em Nova York, é onde o jovem professor Glenn Ford consegue se empregar após dar baixa da U.S. Navy. O que encontra nessa escola o faz comparar com as batalhas durante a II Guerra tal a disposição de uma turma de alunos em destruir seus ideais de professor. Sarcasmo nas respostas e irreverência nas atitudes não são nada perto das agressões e prejuízo à vida pessoal do mestre. A primeira metade deste filme é primorosa na apresentação dos problemas que a parte final se apressa em solucionar de forma demasiadamente inconvincente. Comum quando o assunto é rebeldia de adolescentes é o uso de atores que há tempos deixaram de ser teens, caso de Sidney Poitier, Vic Morrow e Paul Mazurski, então respectivamente com 27, 25 e 24 anos. Mesmo irregular este é um filme importante por denunciar o sistema escolar e dura vida dos professores que ganhavam dois dólares por aula. O sempre menosprezado Glenn Ford tem uma de suas mais brilhantes atuações e Sidney Poitier não deixava nenhuma dúvida sobre o grande ator que seria. 7/10 Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

SE MEU APARTAMENTO FALASSE (The Apartment), 1960

Faltava ao maior provocador de Hollywood penetrar nas mazelas do mundo corporativo novaiorquino e Billy Wilder fez isso ao contar a história de um funcionário que, para subir na empresa, emprestava seu apartamento a seus superiores. C.C. Baxter (Jack Lemmon) tem ascensão meteórica na gigantesca seguradora em que trabalha e a grande promoção se dá quando um alto executivo (Fred MacMurray) usa o apartamento de Baxter para encontros. Para lá ele leva a ascensorista (Shirley MacLaine) de quem Baxter gosta, formando-se uma confusão que por pouco não termina em tragédia. “Se Meu Apartamento Falasse” começa como comédia e aos poucos se transforma em envolvente drama pelas mãos de Wilder que era mestre em destruir a falsa moralidade com seu agudo cinismo. Shirley MacLaine, Lemmon e MacMurray colaboram decisivamente com atuações impecáveis, mas o mérito maior é de Billy Wilder que foi premiado com os dois Oscars mais importantes do ano: Melhor Diretor e Melhor Roteiro (em parceria com I.A.L. Diamond), além de Melhor Filme do Ano. A Academia se penitenciou pela injustiça cometida com “Quanto Mais Quente Melhor” e coroou a extraordinária sequência de grandes películas de Wilder na década. Claro que a Legião de Decência detestou este filme que foi uma das maiores bilheterias do ano. 9/10