QUANDO É PRECISO SER HOMEM (Soldier Blue), 1970

A versão original deste western continha 135 minutos de duração, versão reduzida para 112 minutos tendo sido excluídas inúmeras sequências de extremada violência. Ainda assim o filme de Ralph Nelson é mais lembrado por ser um dos mais violentos faroestes revisionistas feitos sob os ecos da guerra do Vietnã, cujas atrocidades inspiraram o diretor segundo ele confessou. Iniciando com a dizimação por parte dos Cheyennes de um pelotão de 21 soldados o filme termina com um horripilante massacre de centenas de índios, a maior parte mulheres e crianças, citando a carnificina ocorrida em Sand Creek em 1864. Entre esses dois momentos de ação transcorre uma anêmica história de amor entre uma mulher branca que viveu entre os Cheyennes e um casto soldado.  “Quando É Preciso Ser Homem” é não só violento, mas tem também forte dose de erotismo com Candice Bergen semidespida demonstrando que sua beleza é inversamente proporcional a seu talento como atriz. Fraco também é Peter Strauss que interpreta o soldado que consegue por algum tempo resistir aos encantos de Candice. Donald Pleasence menos psicótico que em outros filmes e John Anderson é o ‘Custer’ da história. Ralph Nelson comprova que ser simpático aos índios, denunciar um genocídio e exacerbar nas cenas de selvageria não são suficientes para se fazer um bom filme. 5/10

INFERNO 17 (Stalag 17), 1953

Após assistir a peça na Broadway Billy Wilder pediu à Paramount que adquirisse os direitos da montagem de “Stalag 17” para o cinema. O estúdio queria Charlton Heston no papel principal mas Wilder não pretendia ninguém heroico para interpretar o cínico, pragmático e nada altruísta sargento prisioneiro. William Holden foi o nome imposto pelo diretor, a contragosto do estúdio. O país ainda estava aturdido com o Macarthismo e Wilder praticamente refez todo o texto teatral para demonstrar o quanto se injustiçou homens de bem em nome de um pseudo americanismo. “Inferno 17” fez enorme sucesso e deu um imerecido Oscar de Melhor Ator a Bill Holden, certamente compensação por seu trabalho em “Crepúsculo dos Deuses”. Ainda que não se alinhe entre os muitos excepcionais filmes de Wilder, “Inferno 17” é excelente e só não é melhor porque não conseguiu ele o equilíbrio certo entre drama e comédia, no que aliás era mestre. Os pretensos momentos engraçados são longos demais e Robert Strauss (Animal) e Harvey Lembeck (Shapiro) põem quase tudo a perder. Negativo também é mostrar os alemães como idiotizados e mesmo assim Sig Ruman é quem faz rir e Otto Preminger está impressionante como o cruel comandante do campo. A sequência da revelação do verdadeiro espião é primorosa e inesquecível. 8/10

SABES O QUE QUERO (The Girl Can't Help It), 1956

Quando o rock ‘n’ roll explodiu claro que Hollywood tentou se aproveitar da novidade. Quase sempre com filmes sem imaginação e em preto e branco até que a Fox colocou na tela, em Cinemascope e Technicolor alguns dos grandes pioneiros do rock (e outros nem tanto). Que festa ver a energia de Little Richard, a classe de Fats Domino, a suavidade da voz de Tony Williams com os Platters! A história deste musical não é nenhuma preciosidade, mais servindo, como fazia nosso cinema nos anos 50, para apresentar o vasto número de cantores e conjuntos de rock. A diferença é que a direção de Frank Tashlin dá o ritmo ideal e cria gags ótimas entre uma canção e outra. Mas mesmo que “Sabes o que Quero” não fosse uma agradável comédia ela seria imperdível pela presença notável de Julie London interpretando “Cry me a River”. Tom Ewell é o agente que levou Julie London ao sucesso e o gângster Edmond O’Brien quer que Tom repita a estratégia com sua namorada Jayne Mansfield. Mas a exuberante Jayne não sabe cantar e ainda se apaixona por Tom Ewell (afinal o que ele tem? Marilyn, Jayne...). Edmond O’Brien fazendo comédia é uma piada e Jayne Mansfield está perfeita na imitação da ‘dumb blonde’ (loura burra) que Marilyn Monroe eternizou. Filmado antes do escândalo ‘Payola’, o filme mostra a força das juke-boxes nos anos 50. 8/10

SUPREMA CONQUISTA (Twentieth Century), 1934

Após o magnífico “Scarface” e outros bons filmes, Howard Hawks era o mais promissor entre os diretores norte-americanos, mas foi com “Suprema Conquista”, realizado em 1934, que Hawks se tornou de fato um diretor notável. Não que este seu filme seja a obra-prima que Peter Bogdanovich afirma ser, mas sim porque com ele Howard Hawks inventou o gênero ‘screwball comedy’ ou comédia maluca que tanto sucesso viria a fazer nos anos seguintes. Caracterizando-se por um ritmo frenético e diálogos tão inteligentes quanto espirituosos este tipo de comédia só funciona bem com atores atuando próximos da perfeição, como foi o caso de John Barrymore e Carole Lombard. Ele como um produtor teatral possessivo, egocêntrico e literalmente teatral em seus gestos e discurso; ela como a atriz que alcança o sucesso (no cinema) após ser burilada por ele para os palcos. ‘Twentieth Century’ é o nome do famoso trem que ligava Nova York a Chicago em inacreditáveis 16 horas. Com grande parte da ação do filme se passando dentro do tem em movimento é ele uma metáfora para o ritmo vertiginoso dos diálogos de Ben Hecht e Charles MacArthur (Preston Sturges colaborou sem ser creditado) que exageram no uso de nomes mais ligados ao meio artístico. Já decadente Barrymore brilha intensamente e Carole Lombard deixa a impressão de uma perda irreparável para o cinema com sua morte aos 33 anos de idade. 8/10

SEMENTES DE VIOLÊNCIA (Blackboard Jungle), 1955

Mais lembrado pelo pioneirismo em utilizar um rock’n’roll (“Rock Around the Clock”) em sua trilha sonora, ainda que somente durante os créditos, este drama de Richard Brooks é também o primeiro filme a abordar diretamente os conflitos internos de uma escola norte-americana. A ‘North Manual High School’, em Nova York, é onde o jovem professor Glenn Ford consegue se empregar após dar baixa da U.S. Navy. O que encontra nessa escola o faz comparar com as batalhas durante a II Guerra tal a disposição de uma turma de alunos em destruir seus ideais de professor. Sarcasmo nas respostas e irreverência nas atitudes não são nada perto das agressões e prejuízo à vida pessoal do mestre. A primeira metade deste filme é primorosa na apresentação dos problemas que a parte final se apressa em solucionar de forma demasiadamente inconvincente. Comum quando o assunto é rebeldia de adolescentes é o uso de atores que há tempos deixaram de ser teens, caso de Sidney Poitier, Vic Morrow e Paul Mazurski, então respectivamente com 27, 25 e 24 anos. Mesmo irregular este é um filme importante por denunciar o sistema escolar e dura vida dos professores que ganhavam dois dólares por aula. O sempre menosprezado Glenn Ford tem uma de suas mais brilhantes atuações e Sidney Poitier não deixava nenhuma dúvida sobre o grande ator que seria. 7/10 Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

SE MEU APARTAMENTO FALASSE (The Apartment), 1960

Faltava ao maior provocador de Hollywood penetrar nas mazelas do mundo corporativo novaiorquino e Billy Wilder fez isso ao contar a história de um funcionário que, para subir na empresa, emprestava seu apartamento a seus superiores. C.C. Baxter (Jack Lemmon) tem ascensão meteórica na gigantesca seguradora em que trabalha e a grande promoção se dá quando um alto executivo (Fred MacMurray) usa o apartamento de Baxter para encontros. Para lá ele leva a ascensorista (Shirley MacLaine) de quem Baxter gosta, formando-se uma confusão que por pouco não termina em tragédia. “Se Meu Apartamento Falasse” começa como comédia e aos poucos se transforma em envolvente drama pelas mãos de Wilder que era mestre em destruir a falsa moralidade com seu agudo cinismo. Shirley MacLaine, Lemmon e MacMurray colaboram decisivamente com atuações impecáveis, mas o mérito maior é de Billy Wilder que foi premiado com os dois Oscars mais importantes do ano: Melhor Diretor e Melhor Roteiro (em parceria com I.A.L. Diamond), além de Melhor Filme do Ano. A Academia se penitenciou pela injustiça cometida com “Quanto Mais Quente Melhor” e coroou a extraordinária sequência de grandes películas de Wilder na década. Claro que a Legião de Decência detestou este filme que foi uma das maiores bilheterias do ano. 9/10

SETE NOIVAS PARA SETE IRMÃOS (Seven Brides for Seven Brothers), 1954

O maior problema dos musicais é fazer o espectador manter o interesse na história que é concebida para exibir números cantados e/ou dançados. Quando o roteiro, mesmo recheado de canções envolve e cativa o público é porque esse filme extrapolou os limites do gênero. É o que acontece com este radiante musical da Metro dirigido por Stanley Donen e coreografado magnificamente por Michael Kidd. Se as canções de Gene de Paul com letras de Johnny Mercer não se tornaram imortais como as de outros musicais, as danças que mesclam balé com acrobacias plenas de energia se tornaram antológicas. Entre estas a “House-Raising Dance” (com disputa entre os grupos rivais) e a maravilhosamente singela “Lonesome Polecat”. Baseado no episódio “O Rapto das Sabinas” narrado por Plutarco, seis rudes irmãos fazendeiros do Oregon, em 1850, são domados pela cunhada Milly (Jane Powell) casada com o irmão mais velho Adam (Howard Keel). Desesperados pela falta de namoradas os irmãos pioneiros raptam seis belas moças da cidade e no momento mais hilariante do filme todas afirmam serem mães do bebê de Milly. Dalton Trumbo lembrou-se disso na famosa sequência em que pergunta: “Quem é Spartacus?” no épico de Stanley Kubrick. Jane Powell formidável supera Howard Keel mesmo com seu vozeirão no mais machista dos musicais. 10/10

ALMAS PERVERSAS (Scarlet Street), 1945

Fritz Lang praticamente refilmou sequência a sequência “A Cadela”, drama de Jean Renoir de 1931, ao recontar a história do homem medíocre com talento oculto de pintor que se envolve com uma prostituta e seu gigolô. No entanto o alemão realizou um filme original para os padrões noir ao reunir o trio que dirigira um ano antes no clássico “Um Retrato de Mulher”. Não há o detetive charmoso, mas sim o patético contador de meia-idade (Edward G. Robinson) enquanto a despudorada mulher fatal (Joan Bennett) se humilha e se compraz a cada tapa que leva do rufião (Dan Duryea). Lang dá ao personagem do contador-pintor uma carga de humanidade rara no gênero mais ainda com o excepcional desempenho de Robinson, na mesma proporção em que cria as almas perversas do apropriado título nacional. Duryea deixa de lado seu estilo característico de psicopata dando lugar ao violento explorador que se vê acusado de um crime que não cometeu. Joan Bennett sedutora como a oportunista que se faz passar por pintora. Os aspectos psicológicos de “Almas Perversas” são realçados pela magnífica fotografia que Milton Krasner consegue com as composições expressionistas de Fritz Lang concebidas todas em estúdio. O final diferente do filme de Renoir não é exatamente inspirado, ainda que melancólico como deveria ser. 9/10

O IMPERADOR DO NORTE (Emperor of the North), 1973

Filme estrelado por Lee Marvin é sempre imperdível e quando na companhia de Ernest Borgnine ai então se torna imprescindível. Lee Marvin e Ernest Borgnine atuaram juntos em seis filmes sendo este dirigido por Robert Aldrich aquele em que melhor puderam confrontar seus talentos interpretando tipos brutais, os seus preferidos.  Borgnine é ‘Shack’ o temido chefe do ‘Trem n.º 19’, no qual vagabundo nenhum viaja clandestinamente, o que era comum no pior momento da depressão (1933) quando se passa a história. ‘Shack’ é desafiado por ‘Number One’ (Marvin) que pretende completar a viagem até Portland. O encontro, um dos mais violentos do cinema, se dá sobre um vagão de carga no clímax de um filme que não economiza na selvageria dos personagens principais. A tudo assiste o jovem ‘Cigaret’ (Keith Carradine), pretenso impostor que quer ser o herdeiro de ‘Number One’. Sam Peckinpah desistiu de dirigir e Aldrich mostrou que estava à altura de um filme que chocou quando foi exibido. Marvin contido mas perfeito, como de hábito, enquanto Borgnine se mostra insuperável quando é para ser sádico. 8/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo José Flávio Mantoani.

TARDE DEMAIS PARA ESQUECER (An Affair to Remember), 1957

Eleito pelo American Film Institute como o 5.º melhor filme romântico de todos os tempos, esta história de amor ainda deve agradar aos românticos incuráveis. Refilmagem de “Duas Vidas”, que o próprio Leo McCarey havia filmado em 1939, “Tarde Demais para Esquecer” abusa do sentimentalismo que o diretor utilizou em seus filmes mais festejados dos anos 40. Desta vez McCarey busca atingir a sensibilidade dos eternos apaixonados ao contar como Cary Grant e Deborah Kerr sofrem até o doloroso reencontro. Quem aceitar Cary Grant como um artista-pintor nas horas vagas em que deixa de ser irresistível playboy e ainda a suave Deborah Kerr como cantora de night-club não terá problemas em encharcar lenços com o final tão meloso quanto forçado. McCarey que muito fez rir dirigindo Laurel & Hardy, os Irmãos Marx (em seu melhor momento) e ainda Harold Lloyd escreveu a história, roteiro (com Delmer Daves) e ainda a letra da canção que fez enorme sucesso e perdeu o Oscar de Melhor Canção para “All the Way”. A sempre magnífica Deborah Kerr em momento menor foi dublada nas canções pela bela voz de Marni Nixon que já a dublara em “O Rei e Eu”, enquanto Cary Grant (aos 53 anos) está maduro demais. “Sintonia de Amor” (1993) que se baseou na mesma história é em tudo superior ao filme de McCarey. - 6/10