O RENEGADO DO FORTE PETTICOAT (The Guns of Fort Petticoat), 1957

Mulheres, de um modo geral, não apreciam faroestes. Quando perguntadas sobre isso algumas dizem que assistiram “Butch Cassidy e Sundance Kid” e certamente atraídas não pela historia dos dois foras-da-lei mas sim pela dupla de atores principais (Paul Newman e Robert Redford). Mas há um western que certamente prenderá a atenção do público feminino, isto porque as heroínas do filme são três dúzias de mulheres que, lideradas por um tenente do Exército da União, defendem uma missão onde se encontram escondidas dos Comanches. A ação se desenrola durante a Guerra Civil norte-americana e guarda alguma semelhança com a defesa do Álamo uma vez que o exército de saias parece destinado a ser exterminado pelos guerreiros que sitiam a missão. No entanto ocorre uma surpresa, que não é a clássica chegada da Cavalaria anunciada por um toque de corneta, e a maioria das mulheres sobrevive. Além da ação constante que causa emoção, este faroeste têm muitos momentos engraçados e, mulheres mostrando seu valor e, como não poderia faltar, também romance. O herói da II Guerra Mundial Audie Murphy, ator que como poucos atuou e manteve fãs no gênero, é o bravo desertor renegado do título mas os destaques são mesmo seus ‘homens’, isto é o exército de saias. – 8/10

O DESTINO BATE À SUA PORTA (The Postman Always Rings Twice), 1981

A história de James M. Cain já havia sido levada ao cinema por três vezes (na França em 1936, na Itália por Luchino Visconti em 1943 e no ‘noir’ com Lana Turner em 1946). Mas parece que Hollywood queria ser o mais fiel possível do livro de Cain, o que então seria permitido e decidiu refilmá-lo em 1981 em uma mais esmerada produção fadada ao sucesso. Porém nem Jack Nicholson (o astro do momento) ao lado de Jessica Lange (a mais promissora estrela daqueles anos), nem a fotografia do sueco Sven Nikvist ou o roteiro de David Mamet e as sequências de sexo explícito tão ardentes quanto violentas foram suficientes para que este filme de Bob Rafelson chegasse perto do fascinante clássico de 1946. Se há algo que torna esta versão memorável são as excelentes atuações de Nicholson e de Jessica Lange, especialmente nas referidas sequências de inacreditável eroticidade. No entanto quando a trama, passada em plena depressão nos anos 30, deixa de ser sobre a lasciva e avassaladora paixão entre a esposa insatisfeita, o sedutor aventureiro e o velho marido alcoólatra resultando em assassinato, se torna mera história policial-tribunal repleta de reviravoltas, o filme desanda. Não sem antes conter a mais bizarra e desnecessária ‘participação especial’ do cinema com a presença de Anjelica Huston. John Colicos é o marido grego vítima dos amantes Nicholson e Lange.  – 6/10

VIDAS AMARGAS (East of Eden), 1955

John Steinbeck escreveu um caudaloso romance sobre uma família da Califórnia que remete aos personagens bíblicos Caim e Abel. Levado para o cinema por Elia Kazan o roteiro aborda apenas um terço do livro de Steinbeck e com isso os conflitos entre o pai Adam (Raymond Massey) e o filho Cal (James Dean) e entre Cal e seu irmão Aron (Richard Davalos) prescindem de melhor estrutura. A figura da mãe Kate (Jo Van Fleet) é ainda mais nebulosa enquanto Kazan foi mais feliz ao mostrar como Abra (Julie Harris) troca Aron, o namorado certinho, pelo atormentado Cal. A angústia de Cal, bem como sua inveja do irmão mais amado pelo pai, tudo prescinde de razão que os trejeitos que Dean impõe ao personagem são insuficientes e em nada colaboram com a essência da história. Porém este filme é cultuado e considerado para muitos como a melhor interpretação de James Dean, ele que passa o filme todo exercitando os maneirismos que em Marlon Brando soavam mais autênticos e que Dean torna caricatos. Fazendo caretas, encostando-se às paredes, revirando os olhos e correndo quando deveria andar, James Dean provoca comoção em seus admiradores do mesmo modo que irrita quem vê isso como excessos interpretativos ensinados no Actors Studio. “Vidas Amargas”, que tem a ótima Jo Van Fleet, é um drama que Kazan tornou intenso e sombrio mas que termina com uma sequência piegas no leito de morte de Adam. 6/10

OS DOZE CONDENADOS (The Dirty Dozen), 1967

Este é um daqueles filmes que, ao final, comportam a expressão: “Que filmaço!” Divertimento garantido com 150 minutos de duração que não pretende ser nenhum libelo contra a insanidade das guerras mas que demonstra como homens são mandados para a morte em missões pensadas pelos estrategistas de gabinete. A missão no caso é incendiar e matar dezenas de oficiais alemães que se divertem num castelo na França ainda ocupada. Doze homens são escolhidos para isso, a metade deles condenados à morte e os demais a penas de 20 a 30 anos por tribunais militares. O que poderia ser uma missão impossível torna-se exequível porque estarão sob o comando do Major Reisman (Lee Marvin), truculento mas justo e corajoso oficial que exige a comutação das penas do grupo todo. Algumas das sequências da preparação dos ‘doze encardidos’ são memoráveis e hilariantes e o clímax com a invasão do chateau é emocionante. Lee Marvin na atuação de sua vida, soldado condecorado que foi na II GG, está magnífico, irreverente com seus superiores e dirigindo blindado de muitas rodas. O elenco fantástico tem um Charles Bronson excelente, Ernest Borgnine e George Kennedy fazendo rir, Robert Ryan, Telly Savalas, Donald Sutherland, John Cassavetes e muitos outros nomes, todos otimamente aproveitados pela direção inspirada de Robert Aldrich em merecido enorme sucesso de bilheteria. Darci Fonseca – 9/10

CHOFER DE PRAÇA, 1959

Primeira produção da PAM, produtora de Amácio Mazzaropi, desta vez contando as aventuras do caipira Zacarias (Mazzaropi) dirigindo um carro de praça pelas ruas de São Paulo. Zacarias (a quem chamam ‘por caria’) sai de sua cidadezinha com a esposa Augusta (Geny Prado) para ficar mais perto do filho Raul (Celso Faria) e ajudá-lo a concluir o curso de Medicina. Mas Raul é um filho ingrato e se envergonha da pouca instrução, modos rudes e pobreza do pai, a quem explora tanto quanto a vontade de ignorá-lo. A direção de Milton Amaral conduz bem o roteiro escrito por Mazzaropi nesta comédia com tons dramáticos em que os melhores momentos, como não poderia deixar de ser, são as confusões que Zacarias se envolve no trânsito ainda tranquilo de São Paulo e com a vizinhança da vila onde mora. Mazzaropi sabia como poucos retratar as pessoas humildes e o local onde Zacarias foi morar é palco de saborosos momentos com o gentio que fica mais à janela de suas casas vigiando as vidas alheias que fazendo suas obrigações. Este é um dos melhores filmes de Mazzaropi e, embora os créditos digam ter sido filmado nos estúdios da Vera Cruz, tem como cenário a São Paulo daquele fim de década e que em seguida passaria por brutais transformações físicas e sociais. Mazzaropi brilha como dono do filme que é. Números musicais com Agnaldo Rayol, Lana Bitencourt e Mazzaropi ao lado do compositor Elpídio dos Santos. 8/10

O INCIDENTE (The Incident), 1967

Esta modesta produção dirigida por Larry Peerce é uma apavorante viagem filmada quase inteiramente dentro de um vagão do metrô de Nova York. Já de madrugada 14 passageiros são aterrorizados por dois marginais (Tony Musante e Martin Sheen) que se divertem ameaçando-os e agredindo-os, impedindo a saída do vagão. Ninguém escapa da sanha dos criminosos e o líder (Musante) usa de pervertida psicologia para, um a um, desmoralizar a todos. Entre as vítimas estão um homossexual,um viciado, casais negros, brancos e idosos e até dois jovens soldados do Exército. A selvageria da dupla instala o pavor e faz com que os passageiros revelem seus problemas pessoais e verdadeiras personalidades. O diretor Peerce dirige com habilidade fazendo crescer minuto a minuto o desespero não só dos passageiros mas também do espectador numa tensão que explode com um final angustiante e catárquico. O elenco composto por jovens atores praticamente desconhecidos como Beau Bridges e Musante, além de Martin Sheen e Donna Mills em seus primeiros filmes. São coadjuvados por veteranos com participações marcantes, especialmente as de Jan Sterling, Gary Merrill e do negro Brock Peters.  Drama violento que pode não agradar a todos mas que é quase perfeito. O ‘quase’ fica por conta da facilidade com que os dois delinquentes são abatidos ao final. 9/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo e colecionador Sebá Santos.

A NOIVA ESTAVA DE PRETO (La Mariée Était em Noir), 1968

François Truffaut era tão apaixonado pelo cinema de Alfred Hitchcock que, depois de consagrado, decidiu fazer filmes para homenagear o Mestre do Suspense. Este é seu filme mais hitchcockiano mas está longe de ser uma homenagem lisonjeira. No dia de seu casamento Julie Kohler (Jeanne Moreau) vê seu marido ser morto por um tiro disparado acidentalmente em uma brincadeira entre cinco homens. Eles desaparecem sem deixar vestígios, mas Julie descobre quem eles são e onde estão, assassinando-os cada um de modo diferente. Essa vingança fria e racional é o problema maior do filme que não explica como a viúva chega aos cinco homens. À parte o roteiro incoerente, pouca coisa funciona a contento e o filme de suspense simplesmente não tem suspense. O final que pretende ser surpreendente é totalmente previsível. Truffaut só consegue agradar quando cria um personagem (um alter-ego seu) que se apaixona por sua modelo (a própria Jeanne). La Moreau, uma atriz minimalista em suas expressões quase sempre ressentidas e pessimistas, carrega o filme com seu charme irresistível, especialmente quando três de suas vítimas descobrem seus encantos. O elenco de coadjuvantes tem nomes conhecidos que atuam sem maior brilho.  Bernard Herrmann, compositor das trilhas de Hitchcock, cuidou da música e Raoul Coutard da cinematografia. 5/10

EM FAMÍLIA, 1971

Este tocante drama sobre a velhice e, por extensão, sobre o egoísmo dos filhos diante de seus pais recebeu muitos prêmios e depois, imerecidamente, o esquecimento. Um casal de idosos (Rodolfo Arena-Iracema de Alencar) não pode mais pagar o aluguel da casa onde moram e, sem ter para onde ir, se alojam em diferentes casas dos filhos, uma em cada cidade. São tantos os problemas que vão surgindo que a mãe acaba indo para um asilo enquanto o pai é mandado para Brasília, separados depois de toda uma vida juntos e sem que seus quatro filhos façam maior esforço para os ajudar. Baseado em romance e peça teatral dos anos 30, a adaptação para nossa realidade foi feita por Oduvaldo Viana Filho em parceria com Paulo Porto, este também diretor. Ferreira Gullar colaborou no roteiro deste perfeito retrato de situações que são comuns em muitas famílias e no qual a música de Egberto Gismonti realça o clima de melancolia que permeia o filme um tanto teatral. Porém as externas de “Em Família” formam um rico documento mostrando aspectos de uma São Paulo que não existe mais, especialmente o bairro do Canindé e suas ainda irreconhecíveis Marginais. Elenco homogêneo com comoventes interpretações de Fernanda Montenegro, Rodolfo Arena e Iracema de Alencar, coadjuvados pelas ótimas Anecy Rocha e Odete Lara. Último filme de Procópio Ferreira, divertido em cada fala e olhar nos únicos momentos engraçados da história. 8/10

A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM (The Graduate), 1967

Dustin Hoffman significou a redenção dos homens feios com este filme pois todos, mesmo os baixinhos, feios e narigudos (e os bonitões também), tiveram fantasias com alguém como Mrs. Robinson. Hoffman é Benjamin Braddock, que volta para casa dos pais após a graduação e é seduzido pela insatisfeita esposa do sócio do pai (Anne Bancroft). Quem interrompe o caso entre os amantes é Elaine (Katharine Ross), a filha da senhora Robinson, por quem Benjamin se apaixona. Mrs. Robinson não se conforma e destila sua maldade vingando-se de Benjamin. Mas o final é feliz, o que ajudou o filme a conquistar o público que adorou ver o jovem inseguro perguntar: “Mrs. Robinson, a senhora está tentando me seduzir?” ao som de canções de Paul Simon cantadas por ele e pelo parceiro Art Garfunkel. “The Graduate” é daqueles filmes em que parece que tudo deu certo e fez de Hoffman um astro do dia para a noite. Mas o fascínio desta comédia dramática é a presença magnética de Anne Bancroft, tanto que o filme decai quando ela passa para um segundo plano na história. O final feito para emocionar até às lágrimas é incondizente com um filme com abordagem tão ousada. Hoffman perfeito como o tímido jovem que não sabe o que quer da vida até conhecer a maravilhosa Mrs. Robinson, uma das personagens eternas do cinema. Novidade a trilha com canções populares que se encaixam esplendidamente à trama. 8/10

SOBERBA (The Magnificent Ambersons), 1942

Alguns filmes são mais interessantes pelos fatos e lendas que envolvem sua produção que a película propriamente dita. É o caso de “Soberba”, que Orson Welles filmou imediatamente após o impacto causado por “Cidadão Kane”. O estúdio ficou insatisfeito com o resultado e aproveitando-se que Welles estava no Brasil dirigindo “Tudo é Verdade”, cortou 43 minutos da metragem original, além de refilmar sequências inteiras. Não contente, a RKO destruiu todo o material não aproveitado e pouquíssimas pessoas chegaram a ver “Soberba” como concebido por Welles. Ele próprio jamais assistiu a seu filme e nem ao que a RKO exibiu em programa duplo com 88 minutos de duração. Baseando-se no livro de Booth Tarkington (Prêmio Pulitzer), Welles contou a história de uma família aristocrática de Indianápolis que vai da riqueza à pobreza graças ao comportamento arrogante do herdeiro (Tim Holt). Com iluminação, tomadas de câmera e cenários que lembram seu primeiro filme, “Soberba” impressiona tecnicamente mas é mal desenvolvido no drama dos Ambersons e nas relações amorosas da história. A escolha de Tim Holt foi um terrível equívoco com o ator tendo desempenho sofrível. Agnes Moorehead tem os melhores momentos em cena com Joseph Cotten e Anne Baxter também no elenco. 7/10

NUNCA TE VI, SEMPRE TE AMEI (84 Charing Cross Road), 1987

A escritora Helene Hanff, de Nova York, escreveu um livro baseado em suas memórias contando como se tornou cliente de uma livraria londrina especializada em livros raros. Helene (interpretada por Anne Bancroft) faz amizade com o funcionário da livraria Frank Doel (Anthony Hopkins) que, ao longo de 20 anos, lhe remete muitas obras literárias. A relação de amizade entre os dois se estreita e, mesmo sem jamais se verem ou se falarem por telefone, passam a se admirar cada vez mais. A comunicação é feita por cartas. Frank é casado e Helene solteira. Ela não tem recursos suficientes para viajar a Londres e quando o consegue Frank já faleceu. Esta história de amor diferente é bastante valorizada pelas interpretações dos dois protagonistas que externam esplendidamente todo o sentimento que aos poucos os invade até perceberem que são bem mais que meros amigos. A lamentar o diminuto aproveitamento da ótima Judi Dench como a esposa de Frank, ela que silenciosamente observa o comportamento do marido. Este filme estático que celebra a amizade independentemente da distância, antes foi peça teatral. Ele faz refletir nostalgicamente nestes tempos em que livrarias desaparecem e com elas o amor pelos livros; tempos também em que igualmente desapareceu o prazer de escrever cartas. 7/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo e colecionador Sebá Santos.

AS DUAS FACES DA FELICIDADE (Le Bonheur), 1965

Este cultuado filme da cineasta francesa Agnès Varda é um paradoxo: quis ela fazer um filme que rescendesse a total simplicidade e, no entanto, o resultado é de uma mal disfarçada afetação. O uso (exagerado) de bosques primaveris ao som da música de Mozart onde uma família desfruta de momentos de lazer intenta mostrar a singeleza da felicidade. É lá que o carpinteiro François (Jean-Claude Drouot) ama sua esposa, a costureira Thérèse (Claire Drouot). Moram em Fontenay e, em viagens a trabalho a Vincennes, François se envolve com Émilie (Marie-France Boyer) com quem divide seu amor. Ou melhor acumula amor, como ele pretende ao contar à esposa a infidelidade. Thérèse comete suicídio e François e Émilie juntam-se, os filhos pequenos mal percebem a troca de mães e vão todos passear... nos floridos bosques ao som de Mozart. Tudo é simples e rápido demais, a ponto de Varda não aprofundar a súbita paixão e, pior ainda, surpreender com o gesto trágico da esposa traída deixando no mundo duas crianças pequenas. Mas não há tempo para tristeza já que a felicidade logo retoma seu lugar. O desenvolvimento linear de “Le Bonheur” parece incomodar a cineasta que sem cerimônia insere cortes e edição rápidas que contrastam com a presumida leveza do filme. A curiosidade é que Jean-Claude Drouot, Claire e as crianças eram uma família na vida real. 6/10 - Cópia gentilmente cedida pelo cinéfilo e colecionador Sebá Santos.

ROY BEAN – O HOMEM DA LEI (The Life and Times of Judge Roy Bean), 1972

Em tempos de revisionismo do western, John Huston filmou o roteiro de John Millius sobre a vida do Juiz Roy Bean, passando tão longe da verdade dos fatos que chega a lembrar os filmes biográficos dos anos 30, 40 e 50. Paul Newman é Roy Bean, o homem que impunha a lei a Oeste do Rio Pecos e que gostava de sempre ver no patíbulo montado à frente de seu saloon-tribunal um corpo balançando após seu sumário e implacável julgamento. Na vida real Roy Bean só condenou dois bandidos a morrer na forca, sendo que um deles conseguiu escapar. Além de se comprazer condenando bandidos, Roy Bean nutria ardente paixão pela atriz Lillie Langtry (Ava Gardner), mas casa-se com a mexicana Maria Helena (Victoria Principal) com quem tem a filha Rose (Jacqueline Bisset). Ava e Jacqueline aparecem pouco na tela neste faroeste que é episódico e que tem inúmeras pequenas participações, entre elas as de Anthony Perkins, Tab Hunter, o próprio John Huston e Stacy Keach como o mais bizarro pistoleiro (albino) do Velho Oeste. Western que mescla bons momentos com outros terríveis como a grosseira imitação do interlúdio amoroso de “Butch Cassidy”, aqui ao som de uma medíocre canção e ainda com a presença de um... urso. Paul Newman brilha durante todo este filme que não merece estar figurar entre os melhores trabalhos do grande John Huston. 7/10

CARTA DE UMA DESCONHECIDA (A Letter from a Unknown Woman), 1948

Stefan Zweig foi contemporâneo e amigo de Sigmund Freud e, na Viena do início do século XX, Zweig escreveu diversos livros baseados na Psicanálise. “Carta de uma Desconhecida” foi um deles, roteirizado por Howard Koch e filmado por Max Ophüls, narrando a obsessão de Lisa (Joan Fontaine) que, na adolescência em Viena, se apaixona pelo pianista Stefan Brand (Louis Jourdan). Já adulta mas sempre apaixonada por Brand, Lisa vem a ter um breve caso amoroso com o músico que parte para a Itália e a esquece. Lisa engravida, tem um filho e mesmo assim se casa com um homem mais velho. Brand retorna, volta a se encontrar com Lisa mas não se recorda de tê-la amado. O amor de Lisa pelo pianista, agora decadente, resiste, o que leva a uma tragédia. Este melodrama contado em flashbacks a partir da leitura de uma carta deixada por Lisa é um estudo não só da neurose que é a fixação de uma pessoa por alguém, mas também do masoquismo. Lisa se apraz com o sofrimento justificado pelo amor, sentimento que a leva à desventura. Este filme de Ophüls é aprimorado artisticamente (estilo do diretor) mas inconvincente no ‘esquecimento’ do pianista. Joan Fontaine está ótima como a sofrida protagonista e Louis Jourdan, com sua elegância e simpatia, é o músico que estranhamente não se recorda de um caso amoroso. 7/10